bocetos de el proyecto de producción

ESQUEMA DE TRABAJO FINAL

8. Esquema de trabajo
El objeto cotidiano como obra de arte
1. Introducción
Capítulo I Los objetos íntimos como portadores de significados en la sociedad contemporánea
I.I Historia del objeto intimo desde 1970 a 2007
I.II Breve historia del mueble contemporáneo a partir del siglo XXI
I.III El lenguaje del objeto contemporáneo
Capítulo II La intimidad vista desde el arte contemporáneo.
II.I Historia de lo íntimo en el arte a partir del siglo XXI.
II.II El espacios y ambientes en las artes visuales
II.III Cajoneras, cofres y armarios como arte objetual
Capítulo III Ilusión de un objeto intimo en la gráfica actual
III.I Gráfica tridimensional
III.II Grafica e instalación
III.III Los objetos íntimos como obra de arte


5. Conclusiones

Mi campo de trabajo en la gráfica

Marco de referencia
Campo de trabajo Gráfico
Julia Caporal.
La temática que trabajo en este momento es el copiar objetos íntimos y utilitarios, de la vida diaria sacarlos de su contexto y llevarlos a la grafica contemporánea.
Trato de trabajar con materiales no convencionales para la realización de estos objetos realizando el simulacro de los objetos reales y funcionales a los no reales y no funcionales trabajando también con el tema de la escala aberrante.
La técnica con la que me he desarrollado en este proyecto es siligrafía, serigrafía y vaciados en resina cristal. Estas son las técnicas que empleare en este proyecto también hago uso de el tejido en algunas de mis piezas ya que retomo parte de las artes menores para realizar piezas hibridas hasta llegar a formar una instalación donde el espectador interactué con la obra.

El interés que me surgió en trabajar de esta forma la grafica es el tratar de romper con esa regla de que el grabado solo se presta para trabajarlo bidimensionalmente y pienso que es erróneo ya que la podemos representar o presentar también en lo tridimensional y aumentando mas a este proyecto es el uso de los materiales los cuales son comestibles.
Es importante para mi trabajar con los objetos ya que estos nos dan esa oportunidad de lograr manipularlos o de sacarlos de su contexto natural y llevándolos a diferentes espacios hasta recrear una instalación donde estén inertes estos objetos íntimos cotidianos

Fragmento de "El objeto y la escala aberrante en el arte contemporáneo"

El objeto y la escala aberrante en el arte contemporáneo
Tanto el arte objetual como el arte conceptual prácticamente surgen con M. Duchamp a partir de su obra Fuente. Es ahí cuando el arte empezó a cambiar por la forma en que éste liberó a los objetos de sus determinaciones de utilidad y consumo.
La acción de Duchamp ha estado presente hasta nuestros días ya que el arte objetual o el ready-made y el arte conceptual han tenido un gran auge en el mundo del arte y a partir de entonces surgió la idea que no sólo existía la pintura o la escultura tradicional. Cuando el artista tiene esa necesidad de recrear su propia pintura o escultura es cuando se empieza a trabajar como los cubistas en la manera de collage y trata de romper con las reglas ya establecidas, como el mimetismo, la composición, etc. Es cuando los artistas de vanguardia empiezan a mezclar los materiales encontrados en las calles o en la cotidianidad, como son: trapos, latas, fotografías, partes de carros, notas, entre otros materiales, tratando de representar a la realidad a través de la obra de arte.

Duchamp, Objet-Dard, 1951.

Con estos cambios el arte pasa sus propias limitaciones tradicionales ya que empieza a volver artísticos momentos de la vida diaria así como los objetos cotidianos que la gente usa. “Duchamp libera a los objetos de sus determinaciones de utilidad y consumo” (Marchán, 161), y es aquí donde surge el fetichismo, el cual hace que los objetos tengan una utilidad y un peso funcional e importante ante la sociedad dándoles después un signo el cual en el arte empieza a tener un peso importante.

Haim Steimbach, 1986.
Duchamp retoma la apariencia del objeto solo que ahora lo descontextualiza para darle un significado y una asociación nuevos. Llevándolo a una galería donde pierda su nombre, su contexto, su utilidad y se vuelve una obra de arte a través del juego: objeto de arte y objeto de uso.
Esto replanteó el problema de la técnica y la manufactura, ya que en el arte conceptual ya no importaba el hecho de tener un conocimiento manual práctico, ni el proceso artesanal por el cual las obras de arte tradicionalmente llegaban a tomar forma; sino que con tan sólo tomar el objeto y sacarlo de su contexto se generaba una nueva obra, la cual alcanzaba una provocación artística contra el concepto y el objeto de un arte burgués.
Con el arte conceptual surgen nuevas tendencias como el ensamblaje, el arte procesual, el happening, entre otros y cada uno tiene características especificas, es el caso de el ensamblaje el cual se efectúa a base de objetos de desecho como vestidos, fotos, maderas frases de papeles, etc. para realizar una obra de arte que rebasa a la pintura o a la escultura convencionales, ya que esta no necesita de marco o pedestal para poder ser exhibida. Se puede decir que es un medio mezclado, uno de los precursores fue Rauschenberg ya que es uno de los artistas con propuestas más acertadas para el arte conceptual y contemporáneo.

Monograma Rauchenberg 1955-1959
Como ya mencionamos, el arte objetual trajo diferentes cambios, y no sólo en el arte sino en el comportamiento de la gente. Un ejemplo de esto es que tiene gran fuerza el consumismo y es así cuando el objeto pasa a ser algo ornamental y a su vez se convierte en un objeto kitsch, lo cual es característica de una sociedad de consumo, como así se le denominó en los 70 a la sociedad norteamericana. Es aquí donde surge el movimiento de ensamblar y el acumular objetos utilitarios para transformarlos en arte. Se empiezan a guardar en cajas, en cofres y se convierte en obra de miniatura la cual se adquiere como de colección. Es así como el nuevo realismo considera al objeto como una forma estética que se transforma en arte. Y a su vez, este objeto artístico se convierte en un objeto de consumo, como es el caso de la obra de Andy Warhol o Damien Hirst.

Protocolo

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Antecedentes
Han pasado casi cien años de que por primera vez fue insertado un objeto de uso cotidiano al mundo del arte. La fuente de Duchamp amplió la noción de lo que una obra de arte podía ser. Como es bien sabido, a partir de entonces, una gran cantidad de artistas utilizan y han utilizado objetos producidos en serie sin la intervención de la mano del artista para cargarlos de significados que van más allá de su funcionalidad habitual. Por otra parte, en lo que se refiere a las artes gráficas, tenemos un panorama que se debate entre la persistencia de la manufactura artesanal de la obra y la utilización de nuevas herramientas tecnológicas de impresión. También es común, a pesar del trabajo de artistas que no siguen estas normas, la idea y práctica de la bidimensionalidad y multiplicidad de la imagen impresa en el arte actual.
Las Brillo Box (1964) de Andy Warhol se posicionan justo en el cruce de las dos prácticas artísticas arriba mencionadas (imagen 1). Por un lado, cumplen con un carácter gráfico de impresión múltiple a través de la utilización de la serigrafía y por otro, su cualidad tridimensional y objetual permite a su autor la acumulación y repetición de la misma obra en torres de cajas en el interior de la galería.
Como es sabido Arthur C. Danto estructuró su filosofía del arte a partir de esta obra de Warhol . Una de las preguntas principales que guían su pensamiento es: ¿Qué es lo que hace que dos objetos iguales ante nuestros ojos sean diferentes? Es decir, ¿qué es lo que hace que la caja Brillo de Warhol, que es igual a la que se encontraba en el supermercado, sea considerada una obra de arte? Desafortunadamente este no es lugar para explicar la respuesta a estas preguntas, pero cabe mencionar que algunos de los objetivos de mi proyecto y de mi obra se pueden vincular con la obra de Warhol y con la teoría del arte de Danto.

Desarrollo (planteamiento del problema)
En lo que se refiere al arte contemporáneo y específicamente a la gráfica, me interesa analizar la obra de artistas que van más allá de la bidimensionalidad y hacen de sus impresiones piezas tridimensionales que enfatizan las cualidades objetuales de la obra y que en algunos casos transforman el espacio donde son presentados. Ejemplos de ello pueden ser los 12 pasteles de frutas (2001) de Sarah Lucas en donde imprimió imágenes de sus primeras obras sobre la cubierta de cada pastel llevando a la gráfica más allá de sus límites convencionales y estableciendo relaciones con el arte efímero y comestible como eat art (imagen 2). Un trabajo distinto pero que se inserta en el tipo de gráfica que interviene el espacio donde está expuesto es la obra de Peter Kogler (imagen 3) quien básicamente diseña patrones de tapices que son pegados en todas las superficies de la galería, llegando incluso a formar esculturas tubulares de papel.
Recapitulando hasta aquí, hemos expuesto que existen obras de arte que en su conformación utilizan objetos de la vida cotidiana y que existen otras obras que simulan ser un objeto de uso cotidiano (como en el caso de las Cajas Brillo). También hemos visto que hay artistas en la actualidad que llevan a la estampa más allá de su inherente cualidad bidimensional para la producción de piezas que subrayan la objetualidad de la obra de arte a través de la utilización de la tercera dimensión.
En este sentido, uno de los objetivos principales de mi proyecto es la elaboración de obras gráficas que por sus características materiales y físicas se fusionen con otras disciplinas como la escultura y la instalación, cuyas características principales tienen que ver con el volumen y el manejo del espacio. Estas piezas estarán elaboradas a partir de la forma de objetos íntimos como: almohadas, cortinas y sábanas entre otros. Si prestamos atención a este tipo de objetos nos daremos cuenta de que en muchos de ellos el dibujo y la estampa forman parte fundamental de su estructura. Lo que diferenciará mis objetos de los objetos de uso cotidiano es su materialidad y su intencionalidad. Por un lado, los materiales con los que trabajaré principalmente son los que le son legítimos a la gráfica: papeles (principalmente japoneses), tintas y placas de madera o aluminio, entre otras. Las técnicas de las imágenes impresas serán la xilografía, la siligrafía y la serigrafía principalmente.
Por otra parte, un elemento que se suma a mi proceso creativo es el tejido y el bordado. Este último elemento vincula las llamadas artes menores con el llamado «gran arte» en una misma pieza. El proceso artesanal con el que serán elaboradas mis piezas tiene su justificación en el valor único e íntimo que muchos de estos objetos adquieren: recordemos las carpetas tejidas con gancho elaboradas por un integrante de la familia para cubrir tal o cual objeto de la sala. En este sentido, el medio (tejido e impresión) formará parte del mismo significado de la obra.
El resultado de este proceso serán objetos desvinculados de su función utilitaria, ya que por la delicadeza de los materiales con que serán elaborados seria imposible utilizarlos como cualquier objeto común sin destruirlos (pongamos el ejemplo de una colcha elaborada con papel japonés). En este punto vienen a mi mente los urinarios de Robert Gober. Como sabemos, estos urinarios sólo son el simulacro de un ready made, ya que en forma y color son idénticos a un urinario común pero con la diferencia de que éstos son hechos a mano, artesanalmente, por su autor. De igual manera mis piezas sólo simularán ser objetos íntimos de uso cotidiano que en su imposibilidad funcional y en su descontextualización espacial dentro de la galería enfatizarán poéticamente el valor de los espacios privados y momentos íntimos que forman parte fundamental de nuestras vidas.
Por último, cabe destacar que este proyecto requerirá de una investigación acerca de la historia de este tipo de objetos que nos acompañan en nuestra vida íntima para poder determinar el tipo de obras que elaboraré y estar consciente de sus posibles significados.






Justificación
Este proyecto tiene su origen en una obra que hice en 2007 y que llamé Objetos de identidad. Formó parte del proyecto colectivo Privado/Público: intervenciones en casas del centro de Pachuca (imágenes 4-7). Esta pieza giraba en torno a las relaciones establecidas entre los objetos y la memoria para la comprensión de nuestra propia identidad. Para ello elaboré una serie de piezas en donde integré el tejido y la xilografía conformando objetos como un tapete, una carpeta, un biombo, una cortina y papel tapiz entre otra piezas para ser colgadas y dispuestas en la sala de un departamento por el periodo de un mes.
Otro proyecto relacionado a este es con el que obtuve el título de Licenciada en Artes Visuales en la ENAP, UNAM, como parte del Seminario Taller de Producción del Libro Alternativo (2000). Para ello elaboré un libro de artista que contenía en su interior abanicos construidos con madera e impresiones xilográficas sobre papel japonés a manera de bestiario.
En este sentido, lo que quiero señalar es que este nuevo proyecto es la consecuencia de investigaciones previas a lo largo de mi trayectoria profesional. En lo que se refiere a su importancia, considero que es significativo teorizar, producir y difundir obras que planteen una noción de gráfica más amplia y menos tradicionalista, y que permitan a su vez que otros artistas gráficos y demás aficionados y productores de arte se formen un panorama más amplio que les permita producir y comprender obras de arte contemporáneo.















BIBLIOGRAFÍA

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